音楽枕草子

シューベルト が残したシンフォニーは未完や断片を含めると１０曲を超えるらしいですが、現在残っているのは完成した７曲と「未完成」といわれる１曲（でも充分に完成品といえる作品です）そしてよく演奏会などで耳するのはほとんど第７（８）番「未完成」と第８（９）番「ザ・グレート」の２曲ばっかり（１０歩譲ってあとは第４番「悲劇的」と第５番くらいカナ？） なかなか他のシンフォニーはきく事はないですが魅力のある部分もあります。 今回紹介するのはその中から 交響曲第６番ハ長調D．５８９ です。第８（９）番「ザ・グレート」が「大ハ長調」という別称があるのに対してこの曲は「Litte C mejor」＝「小ハ長調」と呼ばれることもあります。 曲はシューベルト２０歳の１８１７年秋に着手され翌年２月に完成しました。ちょうどこの頃は父親の勤務先、ロッサウという場所で助教員の仕事をしていましたが１８１８年の夏にはその職を辞めてしまいます。 この時期にこの曲以外に目立った作品が無いのはそういった落ち着かない生活が関係しているかもしれません―父親の許でそれなりに安定した生活をしつつも将来への夢や希望を持った青年シューベルトは悶々としていたと想像できます。しかし、このシンフォニーからは前向きでアグレッシブな音楽があちこちにきこえてきます。 第１楽章は重厚なアダージョの序奏に始まり、きびきびとしたアレグレットの主部に入っていきます。目立つのは木管楽器の活躍です。終止部にかけてのクレッシェンドは当時ウィーンで大人気のロッシーニを思い浮かべます。 第２楽章アンダンテはややハイドン流の香りが残りつつもダイナミックなところは彼の若さが溢れているようです。 第３楽章。ここで初めてシューベルトはメヌエットではなくてスケルツォにしました（それまでの５曲にも既にスケルツォ的性格をもっていましたが）こういったことも野心的な感じがします。そしてこの楽章はベートーヴェンの交響曲第７番第３楽章スケルツォへの共通があるように思います。特にトリオの部分なんかは似ていると言いたいくらいです。 第４楽章アレグロ・モデラート。強弱の対比を繰り返しながら発展して曲が盛り上がっていく面白い音楽です。この手法・リズムは「ザ・グレート」にも密かに通じているようにチョット思いました。 私がこの曲に出会ったのは中学３年の春でF

地元のザ・ハーモニーホール（松本市島内）で専属オルガニストを務められた 保田紀子さん が３月末で退任するそうで、その記念に 「ありがとう保田紀子オルガンリサイタル」 が開催されるためその申し込みをしていましたが、先日入場整理券が返信されてきました。 ・・・と書いていながら大変申し訳ないことですが今まで保田紀子さんの演奏はきいた事が無く、ホールのオルガンをきいたのは２０年近く前にエドガー・クラップというオルガニストでのただ１回のみ。また、普段オルガン曲もほとんどききません（あのぶ厚い響きを自宅で再生することは難しいこともあるので） この機会にしっかりきいてきたいと思います。 感想は別にアップする予定です。 ○プログラム Ｊ.Ｓ.バッハ：「いざ来たれ、異邦人の救い主よ」BWV.６５９・６６０・６６１ 　　　　　　　パッサカリアハ短調BWV.５８２ フランク：前奏曲、フーガと変奏曲　ロ短調　作品１８ リスト：バッハのカンタータ「泣き、嘆き、憂い、おののき」と 　　　　　ロ短調ミサ曲「十字架につけられ」の通奏低音による変奏曲　 　　　 　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　．．．ｅｔｃ

先日アップしたインバル＆都響のマーラー交響曲第９番をききに行った時、会場でもらったチラシに今度は 第１０番（クック版） のコンサートがあることを知り、まさか１０番を実演できけるとは！と驚きききに行きたいと思い購入したチケットが届きました。 完売する前にと即決で買ってしまったためにまだ妻に言ってありません(-_-;) カード決済日までにはなんとかご機嫌をとっておかないことには。。。。(>_<)。。。怖い。。。でも、今から楽しみ。

フランスの画家 ギュスターヴ・モロー （１８２６～１８９８）とその愛弟子 ジョルジュ・ルオー （１８７１～１９５８）の絵画展に出かけました（於：松本市美術館　企画展示室） 精緻な造りと色に引き込まれました。また、ひとつひとつの作品がそれぞれ個性的で明るい色調（青色）のものや黒や茶色を使った暗いものあったりと興味深く観ていきました。そして今回の企画展はモローと深い師弟関係にあったルオーの作品もうまく組み合わされ展示されていたので、題材・構図・色使いなどを見比べると、お互いがリスペクトし合い、師の意思を継いだ弟子が大きな戦争を２度経てどのように変わっていったかを知ることができました。 他にもモローの下絵といわれる油絵がとても抽象的で人物や雲、エンジェルが宙を舞っている・・・など観る人それぞれがいろいろ想像できる作品があってとても印象深かったです。 また、両者のイエス・キリストを題材にした作品やモローの「ヘラクレスとレルネのヒュドラ」などものすごい吸引力にその場面に入り込みました。 帰りは美術館の近所にある行きつけのディスク・ショップに寄って以下のCDを買って帰りました。 ・マーラー：交響曲第１０番（クック版） 　エリアフ・インバル指揮フランクフルト放送交響楽団（録音：１９９２年　DENON） ・リスト：パガニーニ・エチュード（初版＆改訂版　完全版） 　ピアノ：大井　和郎（録音：１９９９年　徳間ジャパン） ・パガニーニ：２４のカプリース 　ヴァイオリン：マイケル・レビン（録音：１９５８年　EMI） 　 　 　

東京芸術劇場リニューアル記念 エリアフ・インバル指揮東京都交響楽団　 マーラー　交響曲第９番　ニ長調 於：２０１４年３月１５日　東京芸術劇場 地方からわざわざ出掛けた価値のある演奏会でした。 私がきいたのは３階席でしたが冒頭、ホルン、チェロそしてハープで紡ぎだされる１音１音がこちらにもクッキリときこえてきました。そこへ第１主題が入ってくると湖上をボートに乗って漕ぎ出すみたいになめらかで清らかな響きでした（交響曲第７番の第１楽章序奏のテーマのインスピレーションを受けたのがこうゆうシチュエーションだったと作曲者本人が奥さんのアルマに伝えていますが、この交響曲も彼の生活環境を結びつけるものが感じられます） 曲が展開部に入ると会場に打ち鳴らされるシンバルや打楽器による音のパワーもきき手に恐れや怯えといったものを与えます。この部分から後半部にかけて頭に浮かんでくるのは船が沈没して海に投げ出された乗員・乗客が漂い、助けを求め手を上げもがきながら波に呑み込まれていっていってします姿です。 第２楽章はオーケストラの響きにキレがあり遅いところから速くなったり、強奏される時のレスポンスが良くて場面展開を見事に切替えていきます。第３楽章も同様で、対位法的な箇所ではマーラーの作曲技法の円熟をきき手にアピールし、４４２小節から頂点を迎える音楽は熟れた果実のように後は腐敗していくように―それをわかっていながら目を背け狂乱しおぞましい世界が繰り広げられます（昨日と同じ今日が来てくれることを当たり前としているかのように・・・）インバルの指揮は音楽に没入しすぎないで的確なコントロールをしているように感じました。それが「音楽に入っていかない」というわけではないのが彼のマーラーに特徴的な冷静さと熱気が融合しています。 第４楽章ではそういった持ち味を存分にきけました。 一回きりのナマ演奏なら情緒たっぷりに乗り切ってしまうことも可能な音楽をハイドンが種をまき、ベートーヴェンが地位を確定させ、続くロマン派のブラームスなどが力を注ぎブルックナー、マーラーにより「ソナタ形式」を金科玉条として特にドイツ、オーストリア音楽圏で恐竜のように進化した「シンフォニー」というジャンル。それがこの交響曲では「徹底的に」朽ちて滅びていく姿としても解釈できるような演奏と思いました。それが宗

今週、家族と共に東京ディズニーリゾートへ出掛けました。 そこで「ディズニー」―「クラシック音楽」―「ファンタジア」というシンプルかつベターなアイデアで１曲。   「ファンタジア」といえばディズニーの稼ぎ頭ミッキー・マウスが登場するデュカスの交響詩「魔法使いの弟子」が有名ですが、私個人として面白かったのは ポンキエルリの 「時の踊り」 をモチーフにしたあまり運動が得意そうじゃないカバとかゾウとかも出て来てバレエを踊るストーリーがコミカルな印象に残っています。 「時の踊り」はイタリアの アミルカーレ・ポンキエルリ （１８３４～１８８６）が１８７６年に初演されたオペラ「ラ・ショコンダ」の劇中音楽です。彼はこの作品で成功するまで不遇であったそうですが、悲しいことにこれ以降は創作力が低下してしまったとのこです。とはいいながらも今日「時の踊り」のメロディーを耳にすることはあっても「ラ・ショコンダ」の舞台に巡り合う機会はまれで、私も接したことはありません。 オペラのストーリを説明していたら長くなってしまうので超簡単にすると、１７世紀のヴェネツィアを舞台にした歌姫「ショコンダ」の悲劇で原作はヴィクトル・ユーゴーの戯曲に基づいているそうです（本当に簡単ですみません）なかなか血なまぐさそうでマスカーニやベッリーニあたりのオペラまでが守備範囲の方なら十分楽しめそうな内容です。 「時の踊り」は第３幕第２場で演奏されるバレエ音楽ですが初演当時オペラ上演の際にはバレエの場面を入れるのが習慣というか鑑賞とされていたためストーリー展開とはほとんど無関係です。オペラ本編とは関係無い音楽で後世に名前が残っているのは皮肉なポンキエルリ。。。 曲は「夜明けの時」―「昼間の時の入場」―「昼の時の踊り」―「夕方の時の入場」―「フィナーレ」という１日の時間経過を表現しているそうですがそんなことを考えずにきいても耳にすぐ耳に入ってくるメロディーに彩られています。 《Ｄｉｓｃ》 やっぱりこの種の曲はカラヤンかオーマンディか？しかし、あまりにもメジャーな選曲なので演奏はチョットひねって私の偏愛指揮者 フェレンツ・フリッチャイ （１９１４～１９６３）で。とても小品を手掛けているとは思えないくらい力が入っていて、特にフィナーレにかけての一心不乱の音楽への没入は「これじゃやっぱり早死にしちゃうよ」

今週ご紹介するのはチェコの作曲家 アントニン・ドヴォルザーク （１８４１～１９０４）の ピアノ三重奏曲第３番ヘ短調作品６５ です。 この組み合わせでは次の第４番ホ短調作品９０が「ドゥムキー」という副題もついていて有名ですが、それがボヘミアの民族色を前面に押し出した作品に対してこちらの第３番は彼の才能を見抜き世に紹介してくれたブラームスからの影響やリスペクトがあるように思われます。 ブラームスは室内楽の大家でもあり、ピアノ・トリオも書いています。当然、ドヴォルザークも感化されていたと思われ、２曲のピアノ五重奏曲や１４曲の弦楽四重奏曲などにも名作があります。 この曲は１８４３年４２歳の時に作曲後に改訂を施され同年に初演されました。前年に母親を失った悲しみの影があるといわれます。 第１楽章はアレグロ・マ・ノン・トロッポ。冒頭のヴァイオリンが高音で悲痛なメロディーを奏し、そこへ慰めるようにピアノが入ってきてきますが一緒になって泣き出してチェロも加わって嘆く―しかしそれでも曲の構成が崩れません。 第２楽章アレグレット・グラツィオーソはスケルツォ風の動きのある音楽で、弦とピアノのリズミカルで活発で小気味よいので雪原をそりで駆け抜けていくみたいです。 第３楽章ポコ・アダージョは美しいメロディーが歌い上げられ、この全体的にピーンと張りつめた感じのある曲で唯一ゆったりと音楽に浸れる場所です。 第４楽章アレグロ・コン・ブリオ。冒頭から荒々しく、熱っぽい民族舞曲のリズムに乗って音楽が進みます。そこに力強さ伝わってきてきいているこちらも熱くなります。 《DISC》 やはり「定盤」 スーク・トリオ （ピアノ：ヤン・パネンカ、ヴァイオリン：ヨゼフ・スーク、チェロ：ヨゼフ・フッフロ）がいいと思いますが、久しぶりに改めてきき直して感じたのは曲がそうなのか圧倒的にスークのヴァイオリンが主導しピアノとチェロを従属している印象を受け、曲が持っている荒々しさ、粗野な面を整えてきかせる演奏と思いました。