音楽枕草子

R.シュトラウスをここ連続して取り上げてきてまだまだご紹介したい作品はありますが、今週でひと区切りします。 当初は楽劇「ばらの騎士」にと考えてきき直そうとしましたが、たいそう長い曲でかさばり、時間くい虫でもあるということと、私がこの作品をみなさんへご紹介するほどの力不足と考え見送りました―でも彼の作品中のみならずオペラの最高傑作でもあるので、いつか機会をつくりたいと思います。 そして今回選んだのは　ソプラノ独唱とオーケストラによる　 四つの最後の歌 　です。 この作品はR.シュトラウスの亡くなる１年前、１９４８年に書かれました。彼は１８６４年に生まれて１９４９年に亡くなっていますので、とても長命でその創作期間も同様に長かったのですが、生涯を通じてソプラノの高い声を愛していたそうで、オペラやリートでもその見せ場があり、その魅惑的な歌声にきき惚れます。 第２次世界大戦後スイスで隠居生活というか、戦犯容疑もあったので隠遁するように暮らしていた彼が、ヨーゼフ・フォン・アイヒェンドルフ（１７８６～１８５７　ドイツ・ロマン派の詩人でヴォルフなども付曲しています）の詩に接して晩年の心境と重なり、インスピレーションを受け書かれたのが「夕映えに」です（１９４８年４月作曲） その後、ファンから贈られたヘルマン・ヘッセ詩集からも共感を覚え「春」を７月に「眠りにつくとき」を８月に翌月には「９月」の３曲を書き上げました。 演奏されるのは出版の曲順に従い「春」―「９月」―「眠りにつくとき」―「夕映えに」というものが一般的です。 第１曲「春」 　 「ほの暗く長い冬からまばゆいほどの春が訪れた―」 というような内容の春を讃える歌です。 冒頭ではまだ寒い冬から春の目覚めを印象付けて、しだいに鳥の声や樹の葉のそよぐ音が春の到来を描き「春」＝「恋人」をイメージできるような、老人とは思えないみずみずしい音楽です。 第２曲「９月」 　 「夏が終わって庭は悲しみ、冷たい雨が降っている。次々と沈んでいく夏の庭の中で驚き、疲れて、物憂げな微笑みを浮かべる。ばらの花のもとにとどまって、やがて大きな疲れた目を閉じる」 という大意です。夏から秋への季節の移り変わりを人生の終焉に例えて、黄昏に近づいていることをワーグナー風のオーケストラの細かい動きで描きます。曲の最後できこえてくるホルンの音が、

ここ連続して Ｒ．シュトラウス の作品をご紹介していますが、彼の作品の代名詞でもある交響詩を１曲も紹介しないのは申し訳ないのでここで登場していただきます。 交響詩「ドン・ファン」　作品２０ 別に「英雄の生涯」でも「ツァラトゥストラはこう語った」や「ティル・オイレンシュピーゲルの愉快ないたずら」、「ドン・キホーテ」などでもいいのですが中でも一番きいたことのある回数を考えるとたぶんこの曲が多いと思うので取り上げました。 しかし、彼の交響詩はストーリーがあまりにも通俗すぎ、オーケストラの響きに頼りきっている感があって以前は「凄いなぁ～！」「カッコいいなぁ～！」といってきいてきましたが―作曲者自身の自己顕示欲のようなものを感じる時があってウザくなる事があります―この曲でも女性を表すとされるメロディーが次々と出てくるのですが、それに陶酔すると同時に「どんなもんだい、こんなにも書けるんだぞ！」と自慢されているようにもきこえます。 Ｒ．シュトラウスは「マクベス」作品２３を先に先に書いていましたが、１８８８年に発表、翌年に初演された交響詩が「ドン・ファン」で、出版が前者よりも先になったのでこの曲が彼が書いた初の交響詩として聴衆の前に現れました。 「ドン・ファン」とは中世スペインの伝説の人物。イタリア語では「ドン・ジョヴァンニ」―モーツァルトのオペラをはじめとして様々な音楽家が作品化しています。Ｒ．シュトラウスはそれをニコラウス・レーナウ（ハンガリー出身でオーストリアで活動した詩人。１８０２～１８５０）の詩に基づいて書かれたのがこの交響詩です。 冒頭の爆発するようなメロディーからドン・ファンを表すテーマが理想の女性像を求めるように次々とメロディーが登場してきます。そのふたつの旋律との絡み合いからクライマックス―これは酒色にふけって自堕落な生活をしているドン・ジョヴァンニ表現していると思われます―それに飽き失望し熱が冷め、自滅していく・・・他の彼の作品でも何度も使われる手法ですが、盛大にオーケストラを鳴らした後に消入るように静かに曲を閉ます。 ＊この曲を静かに終わらせて「死」や「消滅」を意味するような方法が Ｒ=コルサコフの交響組曲「シェエラザード」（初演１８８８年）や、 ドヴォルザークの交響曲第９番「新世界」、チャイコフスキーの交響曲第６番「悲愴」（２曲と

今週も生誕１５０年の リヒャルト・シュトラウス の作品から 管楽器のための交響曲第２番　変ホ長調　「楽しい仕事場」 副題のような理想的な所があったらどんなにかいいかと思ってしまうのは横に置いておいて(^_^.) この作品は彼の晩年、そして第２次世界大戦中の１９４５年に書かれました。ちなみに第１番も当然あってこちらには「傷病兵の仕事場から」という標題がつけられています。 ４つの楽章から出来ていて先週の小二重協奏曲と同様に大音量のオーケストラできき手を圧倒するといった作品ではなく、小編成（１2本の木管楽器とホルン4本）のアンサンブルのための曲でモーツァルト時代のセレナーデとかディヴェルティメントのような雰囲気をもっています。 第１楽章のアレグロ・コンブリオでは別の作品のテーマにする予定だったといわれる素材が織り込まれていたり、どっかできいたようなメロディー（例えば「英雄の生涯」など）がきこえてきて滅法楽しめる楽章です。 第２楽章アンダンティーノ、第３楽章メヌエットとここではまさにＲ．シュトラウスが敬愛するモーツァルトへのオマージュを捧げているのだろうなぁ～と感じる優美な音楽です。 終楽章はアンダンテの導入からアレグロの主要部からなる演奏時間約４０分のうち３分の１位を占めます（この楽章のみ最初第１楽章として構想され１９４３年作曲されたといわれています）暗い導入部は思わせぶりでその後には生き生きとした動きのある音楽がきこえてきます。 心身疲労や敗戦濃厚な空気により創作意欲が衰えつつあった時期の作品といわれていますが―といってもこの頃８０歳を超えていたということを考えれば当然といえば当然ともいえますが―しかしこの作品をきいていると作曲・演奏する楽しみや喜びを決して無くしたわけではないと感じます。老人のような干からびた（失礼）音楽ではなくてツヤっぽさもあって、まだＲ．シュトラウスここにあり！と示しているようにも感じられます。 《Ｄｉｓｃ》 オーボエの名手、現在では指揮者・作曲家としても活動している ハインツ・ホリガー が ヨーロッパ室内管弦楽団の管楽メンバー と１９９３年に録音したものがとてもイイです。 当時若手奏者により結成されたオーケストラの仲間たちがまさに「楽しい仕事場」で音楽を奏でているゴキゲンな感じが伝わってきます。 ホリガーは指揮

今週ご紹介する１曲はバロック時代のイタリアの作曲家 トマゾ・アントニオ・ヴィターリ　Tomaso Antonio Vitali （１６６３～１７４５）の ヴァイオリンと通奏低音のための変奏曲 「シャコンヌ」 です。 ヴィターリは同じく当時著名な作曲家ジョヴァンニ・ヴァティスタ・ヴィターリを父親にもち、生涯のほとんどをモデナの宮廷楽団でヴァイオリニスト・作曲家として活動しました。 父親の作品は現在でもそれなりに残っているのに対し、息子の方はこの曲のみで名前を留めています。しかし、彼には申し訳ないですが多くの歴史の中に消えていってしまう作曲家がある中で、３００年以上前のこの１曲でも弾かれ、きかれ続けてきたことはきき手にもヴァイオリニストにとっても幸せなことではないでしょうか？ 「シャコンヌ」とはイベリア半島を起源とする３拍子の舞曲の一種で、イタリア半島に伝播してフランス～ドイツへと伝わりバロック時代には変奏曲における形式として定着しました（中でも最も名高いのは言うまでもなくＪ．Ｓ．バッハの無伴奏ヴァイオリン・パルティータ第２番の終曲ですよね）しかし、その後の古典派～ロマン派になると古い音楽の形式と考えられて廃れてしまいました（ドイツ音楽の至高を目指したブラームス―交響曲第４番の終楽章やシェーンベルクの作品に登場する程度になってしまいました） この曲はヴァイオリンの名人といわれたヴィターリによって様々な技法を駆使して主題と変奏が展開します。あまり深刻になりすぎず、かと言って情感もしっかり表現されています―この作風はこのジャンルにおける完成者といわれる、先輩アルカンジェロ・コレルリの影響があるといわれています。その流れが後のパガニーニへと繋がっていった種子があるように思います。 例の大バッハの「シャコンヌ」が孤高で他者を寄せ付けない存在としたらこちらは地中海の気候のように明るさと華やかさをもっているので親しみがあります・・・でも、この曲に現在「偽作説」が出ています。。。 《Ｄｉｓｃ》 愛聴盤―ベルギー出身の往年のヴァイオリニスト、 アルテュール・グリュミオー （１９２１～１９８６）と リッカルド・カスタニョーネ のピアノによるものです。 「原典主義」を掲げる人からはグリュミオーが楽譜に手を加えて編曲していて伴奏が当時存在しなかったピアノである

彼が作曲した番号付きのピアノ協奏曲は全部で２７曲。中でも演奏機会に恵まれているのは２０番から２７番に集中してますが、その前の１０番台にも魅力ある作品があります。 ２０番台の協奏曲に接するときは演奏家もきき手もどっか構えたところがあるような気がしますが、１０番台の方は気軽な気持ちで楽しめるのでフト、 モーツァルトのピアノ・コンチェルト を何かききたいと思った時に手にすることが多く、その中でどれが一番ということはなくてその日、その時に気分で変わります。 今回は ピアノ協奏曲第１２番イ長調Ｋ．４１４（３８５ｐ） をご紹介します。 コロレド大司教と大ゲンカをして故郷ザルツブルクを飛び出したモーツァルトがウィーン移住後の１７８２年に予約演奏会のメインとして自身のピアノで弾くために第１１番から第１３番までの３曲が書かれました。彼にとっては約３年から５年ぶりのこの分野での新作で、最後の２７番まで続くウィーン時代のピアノ協奏曲群のスタート地点に当たる作品です。 曲は一般的な協奏曲のスタイルで「速い―遅い―速い」という３つの楽章からできていて、カデンツァはモーツァルト自身が書き残しているのでほとんどのピアニストもそれを弾きます。 第１楽章アレグロではささやくようなオーケストラで始まり、それを受けるようにしてソロが入ってくるのですがそこの感じが絶妙です。 第２楽章アンダンテは静けさと落ち着きをもった音楽で、チョコッと第１楽章のフレーズに似た箇所が顔を出します。 第３楽章のアレグレットはおどけたようなロンドに始まってリズミカルにピアノが駆け回るところはモーツァルトがウィーンの聴衆にアピールしようとしているように思います。 《Ｄｉｓｃ》 有名どころのピアニスト（バレンボイム、アシュケナージ、ブレンデル、内田光子etc）はみんな録音しているので好みの演奏家を選べば間違いないです。 マレイ・ペライア がイギリス室内管弦楽団を弾き振りしたものはとにかく磨かれた音、楽譜を読み込み考え抜き生みだされたような音に感心します（録音：１９７９年） そして思い出したようにきくのはオーストリア出身のピアニスト、 ワルター・クリーン （１９２８～１９９１）の歌心たっぷりに弾かれる音をきいてカサカサに乾いた耳と心に水分を与えます。ただし、バックを務めるギュンター・ケール指

今日はクラッシク音楽ではなくてTVドラマを観ての感想です。 NHKドラマでアメリカの作家レイモンド・チャンドラーが書いたハードボイルド小説 「ロング・グットバイ（長いお別れ）」 をベースにその舞台を日本にしてアレンジを加えたドラマが始まりました（全５回シリーズ） 原作をハードボイルド小説にハマった２０歳代に「マルタの鷹」（ダシール・ハメット著）と「深夜プラスワン」（ギャビン・ライアル著）と共に何度も読み返した作品なので興味深々に観ました（まだ時間の関係で第１回を観ての感想です） １番感じたのはチャンドラーの気の利いた、またアイロニーに満ちたセリフや場面の演出に関心があったのですが、裏切られてしまいました。。。 ・フィリップ・マーロウが泥酔しているテリー・レノックスを「ダンサーズ」で目撃し自分の車に乗せる場面でその手伝いをしてくれた白服（ドアボーイ）が酔っ払いと関わるなんてもの好きな人間だと言われて 『そうやってこここまでのしあがったわけだ』 と言葉を返す所。 　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　（村上春樹訳　ハードカバー版９ページ） ・マーロウとレノックスが親しくなり「ヴィクターズ」で飲み交わすようになってカクテルの「ギムレット」を飲んでいるときに 「本物のギムレット」 について語る場面　　（同　２８ページ） ・ 開店直後のBARの居心地の良さについて語るところ　　　 （同　３４ページ） （この意見は自分もそう思って仕事帰り開店直後のBARによってジン・アンド・イットやモルト・ウイスキー、もちろんギムレットも！飲んだことを思い出します） と、いったセリフ・場面が全て置き換えられていました―こういった場面に期待したのに(+_+)―このさき先にも名セリフや名シーンがたくさんあるのに心配です。。。 そして登場人物のキャラ設定もかなり変わっています。例えば原作では大手新聞社の代表でありながら写真も撮らせない、インタビューにも応えない―裏で社会を操る謎の人物「ハーラン・ポッター」を政界を目指す悪徳政治家風な感じにしていました。なんだか 「マーロウ対ポッター（政界・財界を象徴する人物としての」的 の NHK好みの 「社会派ドラマ」 にしてしまっているような雰囲気が残念です（第１回以降を観る意欲が無いのはそ

今週ご紹介するのはフランスを代表する作曲家のひとり クロード＝アシル・ドビュッシー （１８６２～１９１８）が最初期に完成させた ピアノ三重奏曲ト長調 です。 ドビュッシーが１８７９～８０頃、ちょうど１７、８歳の時にチャイコフスキーのパトロンとして有名なフォン・メック夫人の長期旅行にピアニストとして同行しました。その際に自身がピアノを弾き夫人の前で演奏するために書かれたものと思います。しかし、その後はどうも忘れ去られてしまったらしく、楽譜が散逸してしまい完全な形として出版されたのは１９８６年になってからのことだそうです。 彼が後年、新しい音の響きを生みだしていったのに対して、このピアノ・トリオからはそういった印象は受けなくてフランクやフォーレ、サン＝サーンスの作品にも通じるものがあり、そこに青葉のような香りも感じます。 曲は４つの楽章から出来ています。 第１楽章　アンダンティーノ・コン・モルト・アレグロ 冒頭、ピアノ～ヴァイオリン～チェロへとメロディーが受け継がれていき発展していきますが、小さなつぼみが花を咲かせ満開になっていくみたいです。 第２楽章　スケルツォ―インテルメツォ・モデラート・アレグロ ピチカートで始められるリズムから民謡風で親しみやすいメロディーがきこえてきます。 第３楽章　アンダンテ・エスプレシーヴォ あまりにもムードたっぷりで初めてきいた時はのけ反りそうになりましたが、とてもロマンティックに弾かれる音楽には 耳が自然と吸い寄せられていきます。束の間の夢のように終わってしまう短い３分程の楽章です。 第４楽章　フィナーレ、アパッショナート 急速なリズムとテンポで駆け抜けていくところに若者の「ほてり」みないなものをヒリヒリと感じます。 　 　  《Ｄｉｓｃ》 海外盤のジャケット ピアノ：ジャック・ルヴィエ ヴァオイリン：ジャン＝ジャック・カントロフ チェロ：フィリップ・ミュレ によるものが国内盤・海外盤共に廉価盤であります。 １９８７年に録音されているので恐らく出版後初の演奏だと思います。 音楽の持っているフワッとした感覚をうまく表現しているのではないでしょうか？ 音の彩色もきれいで第１楽章などでは目の前に花畑が広がるような感じがして、曲の魅力をよく伝えてくれます。