音楽枕草子

現在「 巨匠 」といえる指揮者が払拭しているなかでほぼ唯一その称号に値するであろうと私の思い浮かべる名前「 ニコラウス・アーノンクール 」その彼が手兵の ウィーン・コンツェントゥス・ムジクス と２０１２年に再録音した モーツァルトのセレナード第９番「ポストホルン・セレナード」と交響曲第３５番「ハフナー」 をききました。  まずセレナードに先駆けて前座のように演奏されたといわれている行進曲ニ長調K.335（３２０A）が始まります。そのスピード感と鋭い響きに驚きます。オーボエやホルンのソロでのフレージングもドレスデン・シュターツカペレとの１９８４年の旧録音がのどかに感じるほどです。それは当然楽器の違い、３０年近い歳月が経過したことも影響しているかもしれませんがアーノンクールが年齢を重ねもう半世紀以上の付き合いになっている仲間達と本当に表現したかったことをやっているようにも映ります。 セレナードも行進曲の勢いそのままに始まり、彼が音楽で標榜し、著作でも述べている「言語としての音楽」を実践しているものです。それぞれのフレージングが徹底的に洗い流されていて各楽器が掛け合い、語り合います。それは第２楽章や第６楽章のトリオ部ではっきり示されているように思います。 第５楽章アンダンティーノは歌劇「フィガロの結婚」の最終幕でバルバリーナがピンを落としたといって暗闇を探す場面やピアノ協奏曲第１８番K４５６の第２楽章を思い浮かべますが、その情緒ある音楽は音楽に身を浸すというより、ひんやりしていて悲壮感も漂わせています。  交響曲第３５番「ハフナー」も同様な解釈ですが、第１楽章のテーマの響きはワルターやベームとは違い―彼らが「ロココの作曲家モーツァルト」という見方に立っていたのに対して、アーノンクールはフォルテの刺激的な鳴らし方などで、当時どんな作曲家よりも新しい響きを作ることのできた「前衛音楽家モーツァルト」を知らしめます。でも、第３楽章メヌエットではフト軽めにしたトリオととても踊れないリズムのメヌエットとの対比がいいです。第４楽章プレストの曲の終わり手前でグッとテンポを緩めて、きき手じらすようにしてから―再加速して終止するところなど「ちょとあざとすぎない？」と思いながらもここまでやられると納得させられます。 こちらは旧録音で入退場に使

私の住んでいる地域はとてつもなく大雪が降って昨日から雪かきばっかりです。。。２週間続けての雪かきにウンザリです。。。 今週ご紹介する曲はベートーヴェン、ブラームス、メンデスルゾーン、チャイコフスキーと並び有名な シベリウスのヴァイオリン協奏曲　ニ短調　Ｏｐ．４７ です。 改めて説明するまでもないくらいですが、フィンランドの作曲家ジャン・シベリウス（１８６５～１９５７）が１９０３年に作曲し、翌年２月に初演されますが不評に終わり大幅な改訂を施して１９０５年にヨーゼフ・ヨアヒムのヴァイオリン、Ｒ．シュトラウスの指揮で行われてから次第に評価が変わり、現在では交響曲や交響詩「フィンランディア」などと共に彼の代表作ひとつになっています。１５歳でヴァイオリン奏者を目指したことからヴァイオリンにしっかり知識があったので高い技術力が要求されます。 曲は典型的な協奏曲らしく「速い・遅い・速い」の３つの楽章からなり、第１楽章アレグロ・モデラートは冒頭から冷たいヴァイオリン・ソロから始まります。憂鬱な感じも受けますが技巧的で華麗なパッセージもあり、通常は曲の終盤で盛り上がってきたところにカデンツァが置かれますがここでは曲の中間で登場します。この楽章だけでも十分ずっしりときます。 第２楽章アダージョ・ディ・モルトは動きの少ないシンプルな音楽。個性的な前後の楽章のための間奏曲といった方がいいかもしれません。でもソリストには気の抜けない箇所もあります。 第３楽章アレグロ・マ・ノン・トロッポはなんといっても始まりの独特なリズムからヴァイオリン・ソロが入ってくるところでしょう。その後もソロはきき手の期待に応えるように高度な技をたっぷりきかせてくれます。 私はこの曲全体に女性がちょっとヒステリー気味に「ねえ、私の話をきいてよ！」と語気を荒げたり、気を惹くために色々あの手この手を弄しているような場面があるように思います。 このコンチェルトは「女性奏者に名演が多い」という意見がありますがこういったことも影響しているのでは？と考えます。 《演奏ＤＩＳＣ》 やっぱり先にも書いたようにセクハラ発言みたいになってしまって申し訳ないのですが女流奏者から― アンネ＝ゾフィー・ムターがアンドレ・プレヴィン指揮ドレスデン・シュターツカペレ と共演したものはうねるようなヴァイオリン、怪しい音色といい

今週はソチ・オリンピックが始まりました。そして、冬季オリンピックの人気競技といえばスキー＆スケートですが、半ばこじつけで（笑）今さら改めてよく知られているこの曲をご紹介するのは気恥ずかしいのですが、セミ・クラシック定番の ワルトトイフェル の 『スケートをする人々（スケーターズ・ワルツ）』作品１８３ です。 エミール・ワルトトイフェエル（１８３７～１９１５）はストラスブールに生まれパリで活躍し、ワルツやポルカといったダンス音楽を中心に残しました。「スケートをする人々」の１８３番という作品番号が示すようにそれなりの数の作品を書いたようですが結果、現在まで知られているのは１８８２年に作曲されたこの曲の他にはワルツ「女学生」位です。というかその２曲のみといえ、私もそれ以外の作品は耳にしたことがありません。 しかしこの曲は昔はオーケストラ小品集といったようなレコードに録音されていたようで古くはトスカニーニそしてカラヤン、この手の作品集をたくさん残したオーマンディのものなどがあります。でも、ステレオの技術向上やデジタル・ＣＤ時代が到来するとブルックナーやマーラーのシンフォニーなどの大曲に駆逐され忘れ去られていきました。 曲は優美にして流麗で「スケートをする人々」というよりも白いヴェールをまとった女性が優雅に舞っている画が浮かびます。ドラマティックな展開するわけではなく約８分弱に渡り同じようなメロディーが繰り返され脳のヒダが「ベタッー」としてくる感じで、大曲もいいですが時々こういった曲をきいて耳をリフレッシュするのも面白いです。 《演奏ディスク》 やっぱり昔からきいている カラヤン とフィルハーモニア管弦楽団のものが無難でいいのでは？ 彼の特徴である流麗なレガートがまさに”ベタッー”としている所なんかウマくハマっていているように思います。 ＊オペラ作曲家ジャコモ・マイヤベーアにもバレエ「スケートをする人々」という曲があるのですが（２０年位前に確かジャン・マルティノン指揮イスラエル・フィルのＣＤを見かけたのですが購入し損なって廃盤になっているようです。きいた事もなければ曲の出典も分かりません。知っている方は教えて下さい。

フレデリック・フランソワ・ショパン （１８１０～１８４９）の代表作といえばピアノ独奏曲が質・量ともに他分野を圧倒していますが、彼のラストコンサートでも演奏されたという唯一の 　チェロ・ソナタト短調作品６５　 は長生きしなかった晩年らしい影がさして、カーブが連続した道のような曲想で特にというか、当然というかピアノ・パートにはテクニックが必要とされます。でも、彼の曲が好きな人は一回きけば気に入るのでは？と思います。 曲の成立には初演を担当し献呈もされた大親友オーギュスト・フランショームの存在があり、病気の悪化、ジョルジュ＝サンドとの別れといった１８４５年から１８４７年に書かれています。４つの楽章から出来ており、第１楽章がアレグロ・モデラート、目標を明確に見いだせずにさまよっているみたいで、ちょっと私はショパンらしからぬと感じます（構成が貧弱とかという悪い意味ではなく） 次はスケルツォ、アレグロ・コン・ブリオの躍動的な第２楽章。シンプルな音楽なのですが両者の張り合うような緊張感が魅力です。 第３楽章はラルゴ。チェロとピアノのハーモニーがとても瞑想的にノクターン（夜想曲）を連想させます。そして、２つの楽章の絡み合いが男女のようです。 第４楽章フィナーレ、アレグロ―２つの楽器が対話を繰り返しながら盛り上がっていく終楽章。その中でも気品が香ってくる音楽になっています。 このソナタは上品でサロン音楽的なショパンの作風からすると異質なところを感じます。曲全体をなんというか「情念」みたいな影が覆い、私はあまり「作曲家がこうゆう心理状態だったから、こんな曲を書いた・・云々」の考えできく事はほとんどないのですが、ショパンが自身の病気（結核だったそうで、相当な偏見や扱いを受けたこともあるでしょう。。。）を呪い、その境遇にもがき苦しんでいる姿が伝わってくるようです。。 初演時には第１楽章を技術的な問題からという理由でカットしたそうですが、それだけでは無くてそういった心情告白みたいなものが赤裸々に出過ぎているように感じるこの楽章は演奏し、聴衆にきかせるのはちょっとシンドイと考慮したのではないでしょうか？ でもそんな暗い影ばっかりではなくて終楽章のチェロとピアノの掛け合いをきくとフランショームという親友が病床のショパンを変わりなく見舞い、作曲の背中を押してくれたことへの感謝だと

・芸術家にとって「経済的に恵まれた生活環境」というのは創作活動へ多大な影響を与えるのでしょうか？ ・ハングリー精神があった方が豊かな創造力や霊感の源になって芸術作品を後世に残すことが出来るのでしょうか？ と冒頭から書いたのは本日ご紹介する作曲家、フェリックス・メンデルスゾーン＝バルトルディ（１８０９～１８４７）の作品をきく上で大いに関連する事じゃないかと思うのです。 伝記などを読むとバッハもモーツァルトもベートーヴェン、シューベルトも現在大作曲家と言われている人はいつも懐が寒い生活をしていたそうです。でも中には大金を手にしたヘンデル、ハイドン。そして生まれながらにしてお金持ちだったメンデルスゾーン！（ユダヤ人大富豪の家庭に生まれた彼は年少より勉強はもちろん、絵画・音楽など様々な英才教育を受けたとのこと） でも、現在の音楽ファン、評論家の中での評価を見ると金持ち作曲家よりもビンボー作曲家の方が人気があるように思われます。それはなぜか？やっぱり「ハングリー精神」こそが創造源になっているからではないでしょうか？常に挑戦しようとするベートーヴェンのモットー「苦悩を通じて歓喜へ」の訴求力に比べて、そんなことを考えなくても生活が満たされてるメンデルスゾーンの作品はどれも美しく、耳あたりが良い、ベートーヴェンのように怒り、恐れ、苦しむといったものは全く感じられず、いわば「金持ちケンカせず」みたいな音楽になっていると思います。 その「チョー恵まれ人間」メンデルスゾーンが15歳の1824年に書いた 交響曲第1番ハ短調作品１１ をご紹介します。彼のシンフォニーと言えば第4番「イタリア」、あと第3番「スコットランド」と第5番「宗教改革」あたりが演奏される機会も多いですが、第2番「賛歌」が声楽を含むカンタータ風の特殊な作品であることを除くと5曲あるシンフォニー中ほとんど耳にする機会が無いと思われます。 メンデルスゾーンは15歳で第1番を書く前に12曲の「弦楽によるシンフォニー」を作曲しており、この第1番には当初その第13番という番号が付けられていました。しかし、出版社がそれまで書かれていた12曲の「弦楽によるシンフォニー」は習作扱いとして発行しないでフルオーケストラで書かれたこの曲から「第1番」という番号が与えました。確かにそれまでの12曲がハイドン、モーツァルトの頃

今日は年の瀬ですのでブログで取り上げられなかったディスクを整理して心に残っているものを何点か取り上げたいと思います。 ◎まずはカール・シューリヒトの復刻ディスクから 彼の演奏は昔、世評高いブルックナーの交響曲第８番と第９番をウィーン・フイルを指揮したものをきいたとき、まるでスルメいかをお湯に入れてふやかしたものを噛んでいるみたいな（そんなことはしたことありませんが・・・）なんともキリっとしない演奏に「なーんだ、シューリヒトって指揮者なんてたいして面白くないな」と当時スクロヴァチェフスキがザールブリュッケンの放送オーケストラと進めていたシリーズの演奏に強く惹かれて私はその違いだけで「古い」＝「面白くない」と勝手に決めつけてシューリヒトの演奏をきくことは全くありませんでした。 今回ブラームスの交響曲第３番と第４番やシューマンの交響曲第３番「ライン」などをきいてみて今までの意見が変わりました。彼の演奏で驚くのはそのスピード。そのテンポであっても、精緻なアンサンブル―オーケストラ技術に多少難はありますが（でも、いまのドイツのオーケストラからはきけない素朴な木管の音や自然なホルンの音などの魅力があります）そして主題やフレーズの絶妙な歌わせ方！素晴らしい演奏です。 同世代にフルトヴェングラーという巨大な指揮者がいたため目立たないことと、本人自身が華々しい舞台に立つことを好まなかったためか、巨匠扱いされないですが、偉大な指揮者であったことを知ることが出来ました。 ◎次はミヒャエル・ギーレンがベルリン・フィルハーモニー管弦楽団を客演した際にライヴ収録されたマーラーの交響曲第７番「夜の歌」― 本来はクラウス・テンシュテットが客演する予定だったものがキャンセルとなった公演とのことです（テンシュテットの演奏も実現していたらどんなものだったのだろう!?） まずきいて驚くのは第１楽章冒頭からスコアでは書かれているものの大概の演奏では他のフレーズやメロディーの陰に回ったりしていたものが混ざり合わずにきこえてくることです。 第２楽章と第4楽章では「ナハト・ムジーク」での夜の描写（大編成オーケストラで精緻な表現）や終楽章ではオーケストラの色彩を最大限に生かした輝かしいサウンド―これは同世代で親交もあったR.シュトラウスからの影響も―あまり人はいいま

第７回緑と湖のまち音楽祭の一環であるワンコイン・フレッシュコンサートＶｏｌ．３ 「河西絢子ヴァイオリン・リサイタル（ピアノ：山中惇史）」 をききに行きました（於：２０１３年１２月１日、日曜日　岡谷市カノラホール　小ホール） 彼女の第一印象は清楚なイイトコのお嬢様が素直に先生の言うことを聞いて成長したような演奏家で、地元出身（茅野市）であることから、聞きに来ている人も「あそこのお宅のお嬢さんが今度コンサートを開くので行ってみましょう。入場料５００円ですし」といった感じで、普段この手の場へ行ったこのが無いらしく楽章間でしきりに拍手がありました。。。 あちこちの音楽賞を受賞したり、毎年５月に開催されるラ・フォルジュルネにも出ているそうです。確かに澄んだ音色、きちんと音を置きにいく様な演奏で、彼女は音のパワーでゴリゴリと自己主張するような方ではないと感じました。 一概には言えませんがオーケストラと張り合ってチャイコフスキーを弾くような神尾由美子さんよりもちょっと先輩の千住真理子さんに近い気がしましたよ。そのいい面が出ていたのが最後に弾かれたフォーレのソナタ第１番。決して大声を張り上げるようなことのない音楽がよく似合ってゆったりとした気持ちが味わえました。 しかし、私のようにやさぐれたききては注文をつけてしまいます。ショーソンの詩曲ではもっとしっとり濡れた音を、イザイの無伴奏ヴァイオリン・ソナタ第３番「バラード」ではメリハリが欲しかったです。 まだ年齢は２０歳そこそこと思われますので経験と研鑽を積んでますますのご活躍を期待します。 最後になりましたがピアノの 山中惇史さん 。河西さんへの気遣いが感じられる伴奏でショーソンやフォーレではしなやかな音をきかせてくれました。彼の弾くサティなんか面白いのでは？と思いました。 ‣ ＰＳ．カノラホール職員の方の対応についての感想 約２０年ぶりくらいに行ったので小ホールの場所がわからなかったので事務所にききに行った時、自分の姿を見かけて職員の方がさっと窓口に対応していただき案内をしてくれたこと。 お役所やその関連施設に行って声をかけると職員同士が顔を見合わせて「誰行く？」みたいな感じから一人が立って対応されることが多い中でカノラホールの職員の方の対応にはうれしかったです。よその公共機関でも見